◇作家たちの思想､疑問が形に

　うらわ美術館（さいたま市浦和区）は今年、開館25周年を迎えた。その作品収集方針の柱の一つが「本をめぐるアート」だ。開催中の記念展「約束の場所で　ブック・アートで広がるイマジネーション」では、1500点を超える収蔵作品の中から、現在活躍中の日本人作家21人の作品を、ブックアート収集・研究の盛んな英国で活躍する作家の作品とともに紹介する。

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　ブックアートの定義は難しい。美しい装丁の本、美術家が描いた挿絵、飛び出す絵本などのポップアップアート、本を素材あるいはテーマにした美術作品、本の形のオブジェ、美術家たちが自らの思想を発信した宣言書やマニフェスト。そのどれもが「ブックアート」なのだという。世に1点の作品ばかりでもない。収蔵場所も「アート」とみなせば美術館、「本」であれば図書館、「文献」となれば資料館や博物館となる。

　その領域の広さを象徴するように、本展は＜ブック・アートって?＞という根源的な問いから始まる。

　ガラスケースの内と外、赤い表紙の同じ本が展示されている。柏原（かしはら）えつとむさんの「これは本である」（1970年）。ケース外の作品は手に取っていい。ページをめくれば「これは本当に本なのか」と、表現を変えながらこれでもかと問うてくる。「これは本だ」という〝常識＝思い込み〟は正しいのか、一度は疑えと突きつけられる。繰り返される問いは、何が芸術かという作家自身の疑問であり、ブックアートの定義にも連なる問いである。

　中尾寛さんの「少年文庫段段」シリーズは児童文学の文庫本を彫り込んだ作品だ。中尾さんは、実験的な設計を手がけるアンビルト（実現しない建築）の建築家としても知られる。どこから彫るか、どこまで彫るか。文脈を踏まえ綿密に刻まれた本には小さな空間が生まれ、記された物語とはまた違う、見る人それぞれの風景が立ち上がる。

　西村陽平さんの「記憶と時間－岩波文庫の焼成からの断片的な考察」（2007～19年）は、岩波文庫61冊を陶芸窯で焼きしめた。元の見た目はほぼ同じ。かつ同じ温度で焼いたにもかかわらず、花のように開いて膨れ上がったり、くしゅっと小さく縮まっていたり。その姿形や色はどれ一つとして同じではない。そこに浮かび上がるのは、個々の本に内包された記憶と時間だ。

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　展示の最後に待つのは、ブックアートに出合える場所を書き込んだ世界地図。本展を出発点に、ブックアートの世界を広げてほしいとの願いが込められている。来年1月18日まで。